Fassbinder – To Love Without Demands @!f Istanbul 2015


Rainer Werner Fassbinder

Fassbinder – To Love without Demands made its world premiere at the 2015 Berlinale in the Panorama section, a programme dedicated to  films that provide insight on new directions in art house cinema.

The film is a portrait of one of the world’s most prominent and productive directors, Rainer Werner Fassbinder.

Danish filmmaker Christian Braad Thomsen was close friends with Fassbinder throughout his career and the film is built around the footage that Braad Thomsen made with Fassbinder throughout the 1970s and which have not previously been published.

Below is an interview with Christian Braad Thomsen taken at !f Istanbul, February 2015


Danish filmmaker Christian Braad Thomsen

Dana Knight: You first met Fassbinder in 1969 when he showed his first film Love Is Colder Than Death at Berlinale and became a close friend of his over the years. How did this friendship grow and develop?

Christian Braad Thomsen: I met him because I was almost the only one that liked his first film. It was furiously booed out by the audience, whereas I thought that in a way it was the first film in the world, a rediscovery of the film language, which had been totally corrupted by Hollywood. So when I met him in a bar, I went up to him and congratulated him, because I thought he needed some comforting words. He was only 24 years old. But he couldn’t care less. This security was what impressed me most from the beginning, – and little by little we became friends .

Knight: You start the film by making a very daring statement: that in 50 years time when film history will be re-evaluated, Hitchcock and Fassbinder will be remembered as the two single most important artists of the 20th century. While everybody is familiar with Hitchcock’s work, probably the same degree of popularity does not characterise Fassbinder’s films. Is that to do with the fact that the bitter pill he served us was not sugar-coated?

Braad Thomsen: Yes. Bitter pills are not popular, but they are necessary against sickness. And Fassbinder considered his society sick. He thought that children were brought up to be talking puppets in stead of independent human beings. He thought that dependency made people sick and in his films he analyzes the causes of the sickness in civilization

Knight: Fassbinder is such a controversial filmmaker, his films are so divisive. What touched you the most about his films that made you become such a staunch defender of his art?

Braad Thomsen: The most touching element in his films is that he is able to describe oppression so clearly that we can all see what is wrong with our ways of creating our families and our society. And no matter how cruel some of his characters behave, he still has a lot of pity for them – and for us.

Knight: In your interviews with him, Fassbinder is more open than ever talking about postwar Hollywood, which was his first love, and psychoanalysis, love, marriage, children and madness. Did any of his views ever surprise you or you already knew his mind based on this films?

Braad Thomsen: I was so shocked by the last interview I did with him at his hotel room in Cannes, that I dared not watch the interview for 30 years. He criticizes me strongly for having put a child into this world, although I should have know better, he talks about sadomasochism as a natural consequence of the world, we have created, and he discusses madness as a possiblev solution for each individual. What he means is, I suppose, what also a psychiatrist like Ronald D. Laing meant in the 1970’s, that in a world as crazy as ours, everybody who reacts against this world is considered mad – though he or she may be the most normal of all persons.

Knight: The film also contains interviews with Fassbinder’s mother, Lilo Pempeit,  the actress Irm Hermann who became his lover and almost committed suicide when he left her,  the actor and producer Harry Bär who was the last to talk with Fassbinder, just a few hours before he died, actor Andrea Schober, who played the child roles in Fassbinder’s early films. How did all these other people enrich the image you held of Fassbinder?

Braad Thomsen: They showed me what love is. How could they love a person that also had so many unpleasant aspects as Fassbinder. And how could I love him so deeply, though I am not the least homosexual.  Made the film in order to find out what love is, and I am not sure I succeeded, because defining love is probably impossible. But I believe what Petra von Kant says in Fassbinders film:  “You must learn to love without demands.”

Knight: In making this documentary, you’re using previously unseen footage, mainly your own interviews with him taken throughout his life. What was it like to revisit those conversations? Anything that struck you in particular?

Braad Thomsen: What struck me most is that Fassbinder never lied, but always was honest. He never talked in clichés, but was always completely sincere and naked in front of my camera.

Knight: Fassbinder died in 1982. Why do you think it was important to wait over 30 years to make this documentary?

Braad Thomsen: I didn’t know how to make it. The task seemed overwhelming, and  I thought I needed to overcome his death, before I made the film. But finally I realized that those who were close to him, will never get over his death. He was not only a father figure for most of us, he was also a child. He didn’t want to grow up in this world, but insisted of remaining a child – and yet, he was, of course, the most mature and wise of us all. But he was also a child, whom we tried to protect – and we never get over the death of a child.

Knight: In the last film interview with Fassbinder, shot just a few hours before he died, he said something striking that sums up his contradictions:“To be complete, you need to double yourself.” Can you comment on that?

Braad Thomsen: The translation in the subtitles is not quite precise. He actually says “To be complete, you need yourself once again.” I think this is the most important he ever said. The mirror was his favourite symbol, because in the mirror we have ourselves once again. When we wake up in the morning after a hopefully beautiful dream, we see the sad reality in the mirror in the bath room. On a deeper level he may af thought of Sigmund Freuds understanding of our personality: we are divided between law and lust. The law of our parents and our society is represented in our superego, which plays the dominating role in our lives, whereas our personal needs and lust is put away in the id. Fassbinder admired Freud, and one of the projects he never realized was a film based on Freuds “Moses and Monotheism”, where Freud splits Moses into two very different persons, a cruel dictator and a mild shepherd. Fassbinder wanted to unite the superego and the id, the dictator and the shepherd.

Art et amour du cinéma – L’inoubliable ALAIN RESNAIS vu par SANDRINE KIBERLAIN



Alain Resnais

Alain Resnais laisse derrière lui une oeuvre  impressionnante : Oscar du meilleur court métrage (Van Gogh), trois César du meilleur film (Providence, Smoking / No Smoking, On connaît la chanson), deux César du meilleur réalisateur (Providence, Smoking / No Smoking) et six autres nominations dans cette catégorie, deux fois Prix Jean Vigo (Les statues meurent aussi, Nuit et brouillard), Lion d’or à Venise (L’Année dernière à Marienbad), Lion d’argent de la meilleure mise en scène à Venise (Coeurs), trois fois Prix Louis-Delluc (La guerre est finie, Smoking / No Smoking, On connaît la chanson), Grand prix du jury à Cannes (Mon oncle d’Amérique) et Prix exceptionnel du jury pour Les Herbes folles et l’ensemble de son œuvre, deux fois Ours d’argent à Berlin pour la meilleure contribution artistique (Smoking / No Smoking et pour On connaît la chanson et l’ensemble de sa carrière).

Un vrai aventurier du 7e art, un curieux capable d’adapter les thèses d’un biologiste (Mon oncle d’Amérique), un fait divers réel (Stavisky)  ou une pièce d’Henry Bernstein (Mélo).

Son dernier film, Aimer, boire et chanter (ou Life of Riley) remporte le Prix Alfred Bauer à Berlinale 2014. Décerné à un film qui ouvre de nouvelles perspectives dans l’art cinématographique ou offre une vision esthétique novatrice et singulière, ce prix est symboliqye pour l’ouvre entière d’Alain Resnais dont l’esprit avant-gardiste l’a poussé en permanence à se risquer sur des territoires inexplorés.

Dans un interview pris à Berlinale 2014, l’actrice française Sandrine Kiberlain parle avec amour de cet unique réalisateur, en nous faisant un portrait très personnel de l’homme comme du cinéaste Alain Resnais.

Que pensez-vous du personnage que vous jouez dans Aimer, boire et chanter?

Sandrine: Je pense qu’elle est fragile quand le film commence, elle est prête à vivre une nouvelle vie avec un nouvel homme, plus posé que ce George qui a l’air d’être un tourbillon,  un courant d’air, un séducteur…Et la vie va la surprendre et va la déstabiliser. En fait, ce George sur lequel tout le monde fantasme puisqu’il n’est pas là, puisqu’on ne le voit pas, va être un révélateur pour chacun d’eux. Et Monica en particulier est très fragilisée parce que : est-ce que l’homme qu’elle a choisi est le bon? est-ce que revenir en arrière serait mieux? […]

Est-ce vous pouvez me parler de votre travail d’actrice avec Alain Resnais?


Sandrine Kiberlain

Sandrine: Le travail, ça a été d’abord de le rencontrer. Alain ne peut pas s’engager à choisir une actrice sans être à 100% sur de son choix. Moi je pensais que c’était fini, je n’aurais plus la chance de travailler avec lui parce qu’il est très fidèle, c’est toujours une famille avec Alain. Donc là j’ai l’impression d’être entrée dans sa famille. Donc ça a été d’abord ça, le rencontrer et être choisie par lui. Une fois que vous êtes choisie par lui, ce choix représente déjà son univers, représente déjà la confiance qu’il vous porte et à partir de là le travail se déroule très naturellement parceque vous êtes choisie et vous vous dites qu’il vous aime, qu’il a envie que vous soyez dans sa famille, dans sa maison. Et donc après j’ai lu le scénario et après il nous a demandé à chacun d’écrire l’histoire de nos personnages. Et moi j’ai fait un dessin. Je sais qu’Alain est très sensible au dessin, on a parlé beaucoup de ça justement, c’est quelqu’un très curieux mais qui s’inspire beaucoup de ce que vous êtes, de qui vous êtes, voilà, il a envie de vous connaitre aussi. Il n’impose rien, Alain, il veut juste être sur de la rencontre. Après il s’en fout, quoi. Mais j’ai rien lu avant, j’ai reçu le scénario, j’ai travaillé  comme d’habitude, spontanément…Il m’a dit le dernier jour du tournage qu’on était liés  par le coeur… Moi je suis d’accord.

Sur le plateau Alain fait l’impression d’un magicien.  Comment est-il dans la vie, est-ce que vous pouvez nous faire un portrait d’Alain Resnais?

Sandrine: Dans la vie il est, je crois qu’Alain aime dire, il le dit dans son film, il dit que les gens n’ont pas d’âge. Je crois que j’ai presque vingt ans de moins que Sabine, ou qu’André…et on ne le sent pas. On sent que je suis peut-être un peu plus jeune mais on est tous jeunes et le plus jeune du group c’est Alain. C’est comme si l’on était tous les matins dans une maison avec, on n’est que des enfants et on joue à Monica, Colin, Catherine et les autres. Et Alain c’est quelqu’un qui est extrêmement passionné, créatif, très très fou du cinéma. Moi quand je l’ai rencontré il était chez lui, assez fatigué et le jour où il  a pris la caméra, le jour où il était sur le tournage il avait quarante ans de moins. Parce qu’il est dans son univers, parce que c’est là où il exprime son imagination, ses rêves, et ça le fait rajeunir, ça le fait… c’est sa vie quoi. Et il a un regard curieux sur plein de choses, il veut vraiment vous connaître, il veut vraiment être surpris tout le temps, il a beaucoup de choses à raconter, il n’est pas du tout quelqu’un qui est dans son coin, sage comme un vieil homme de 91 ans, qui est posé , non, il est quelqu’un qui a un regard qui va dans tous les sens, qui est très curieux, très rapide. Il nous parle souvent des animaux et des petits lézards par exemple. Et il a un truc comme ça, un  regard rapide, entre l’enfant et le lézard, je ne sais comment dire, il est très drôle, et je pense qu’il ait une vie très riche,il aime beaucoup les autres, je pense qu’il s’intéresse à plein de choses, je pense que l’amour le passionne, les femmes le passionnent, le cinéma le passionne.


Alain Resnais

Pourquoi aime-t-on tellement les films d’Alain Resnais?

Sandrine: C’est mystérieux, quand on tombe amoureux de quelqu’un, on ne sait pas pourquoi on tombe amoureux…C’est un ensemble, c’est presque même pas possible de dire pourquoi. Parce que j’aime ses films, et j’aime ce qu’on dégage de ses films, sa façon d’interroger l’amour, les sentiments, de traiter les personnages. Je le trouve très jeune dans sa tête, il était très subtil et très courageux dans ses films. Aucun de ses films ne se ressemblent, mais tous ses films, si on cache le nom du réalisateur, je sais que c’est un film de lui. Et c’est sa passion pour les acteurs, les actrices, le travail que Sabine a fait avec lui au cour des années, c’est incroyable.

Le film est une adaptation de la pièce de théâtre d’Alan Ayckbourn. Ca se traduit bien en français, qu’en pensez-vous?

Sandrine: Oui. Et Alain, il voulait vraiment que tout soit anglais. Pour qu’on y croit, il voulait que les cigarettes soient anglaises, que mes chaussures soient anglaises. La costumière disait, “non, on ne peut pas changer, il faut que ça soit anglais”. J’ai des chaussettes anglaises. Et peut-être que ça a l’air idiot mais c’est très important parce que  surtout on sent qu’on est anglais, quoi?Les tasses qu’on avait étaient des tasses anglaises, le service…Il avait envie d’être fidèle à l’écriture qu’il défendait, et puis je crois que c’est des contraintes comme ça qui lui donnaient une vraie liberté, avec ces contraintes-là il se permettait plein de choses, rester fidèle à son imaginaire. A la fois c’est  fermé et très ouvert, je trouve. Il est intelligent, Alain, il nous amène dans les maisons de chacun, l’ouverture c’est un peu par le dessin qu’elle arrive, par des routes, des chemins et des voitures etc…mais il ne triche pas, il a envie de raconter l’intérieur, qu’est-ce qui se passe à l’intérieur de chacun d’eux, et ce qui se passe à l’intérieur de ce couple-là, et de ce couple-là.Il a choisi le parti pris du décor, du studio, un peu par obligation au début parce qu’il n’avait pas les moyens de faire de vrais décors de châteaux, de fermes et des trucs, ça lui aurait coûté une fortune. Et aussi, il disait qu’il en avait marre des portes dans le film, il ne voulait plus voir de portes. Il disait que dans tous les films il y avait quantité de portes qu’on ouvrent, qu’on ferment, des couloirs, des portes, il voulait pas ça. Donc il a inventé autre chose mais c’est vrai qu’il en ressort un film qui tourne entre trois endroits. Mais c’est subtil, je trouve. Et il y a un travail de lumière aussi sur les saisons, le temps qui passe. On était tous dans un grand studio mais quand on voit le film on est quand même dans des maisons différentes, avec des saisons différentes. Et ça c’est que la lumière, les effets de décor et ce qu’on raconte.

Aimer Boire et Chanter still

Caroline Sihol, Sandrine Kiberlain et Sabine Azéma dans Aimer, Boire et Chanter

Comment pensez-vous que l’histoire se serait passé dans un environnement français?

Sandrine: Mais l’histoire est la même en France, en Angleterre ou ailleurs. Alors, peut-être ce serait moins coloré, parce que si l’on faisait l’équivalent en  France ce serait un petit village, peut-être ce serait moins enchanté, plus sérieux en France, moins “cup of tea”, plus “un café”, voilà. Là il y a tout un truc qui chante, qui est coloré , les tissus anglais à fleurs, la campagne anglaise. Ce serait plus tourmenté  en France, plus cérébrale, plus intellectuel, plus “Madame Bovary”. Là on est plus dans Jane Austin, quelque chose de plus romantique, presque de plus adolescent, en Anglettere mais sinon cette histoire est valable dans tous les pays du monde, depuis des siècles, pour encore des siècles.

Qu’est-ce que vous attire chez les rôles que vous jouez en général?

Sandrine: L’originalité, la singularité des films, il y a des films qui ont changé ma vie, comme spectatrice. Des films de Pialat, des films de Truffaut, de Scorsese, Sidney Pollack. Le rêve pour les acteurs, c’est d’avoir tout d’un coup une histoire et un cinéaste qui ressemble à personne, comme Alain. C’est ça qui m’attire, c’est d’entrer dans le monde de quelqu’un qui a vraiment un monde à lui.

For an English audio version of this interview, please visit FRED FILM RADIO.


Has Your Mum Upset You Again? Interview with Romanian Actor BOGDAN DUMITRACHE About THE CHILD’S POSE

The Child's Pose

Last chance to catch this utterly engrossing family drama from Romanian director CALIN PETER NETZER, winner of the Golden Bear Award at last year’s Berlinale, THE CHILD’S POSE is showing at BFI Southbank tonight.

An ambiguous study of obsessive maternal love with a riveting performance by LUMINITA GHEORGHIU (4 MONTHS, 3 WEEKS AND 2 DAYS, THE DEATH OF MR. LAZARESCU, BEYOND THE HILLS) as a steely, well-off Bucharest architect determined to keep her 30-something deadbeat son, BOGDAN DUMITRACHE, out of jail after his reckless driving kills a child. How far will she go to convince the police, eyewitnesses and even the victim’s family of her son’s innocence? Offering a spendid blend of psychological realism and social commentary, Netzer’s third feature is a caustic look at the moral turpitude of the Romanian nouveaux riches.

Romanian Director CALIN PETER NETZER

Romanian Director CALIN PETER NETZER

Below is an extract from an interview with Romanian actor BOGDAN DUMITRACHE taken on December 1, 2013 at Curzon Soho as part of the ROMANIAN FILM FESTIVAL IN LONDON.

(This interview has been translated from Romanian and edited for clarity and relevance)

Dana: How did you prepare for the two amazing roles you played this year, the troubled Barbu in The Child’s Pose, a film that won the 2013 Golden Bear Award, and Paul, the anxious young director in Corneliu Porumboiu’s new film When Evening Falls on Bucharest or Metabolism. And which role did you enjoy playing more?

Bogdan: I enjoyed playing both roles. And I like both directors, although they are completely different. Whereas Netzer is a rather dogmatic and perfectionist filmmaker, who has a fixed script from the beginning that you can’t adapt or fiddle with, the text is not to be modified, nothing is to be changed, you need to come fully prepared on the day of the shooting[…], Corneliu didn’t work like that, his script was a pretext, a starting point from which we built the characters and the story together.

Bogdan Dumitrache

Romanian actor Bogdan Dumitrache

Dana: How did you find your role in  The Child’s Pose? I found it very shocking.

Bogdan: Yes it was shocking even for me and seen from the outside the role is most definitely shocking. I played a “paralysed”, blocked character in this film. This inner paralysis comes from a very simple sentence: when you can’t make any plans for your future because you don’t know what it will look like, maybe you’ll be in jail and you won’t have any kind of future, in that moment you succumb to an emotional and mental blockage in which you deny everything and you are practically a vegetable. Without too many thoughts. So from this point of view the role was not too difficult to play, the character was ultimately simple to understand: he was either blocked or in denial, and in both cases his frustration would be so overwhelming that he would start to behave aggressively.

Dana: The relationship with the mother is extremely dysfunctional.

Bogdan: Yes, it is a relationship that borders on the pathological.

Dana: And the mother is a very pathological being!Hence probably the son’s shocking behaviour. Were there discussions around the character, how was this character introduced to you?

Bogdan: I was lucky because Netzer did the casting for all the roles except my role. He approached me one evening at the GOPO Awards, he came to me directly and said: “This character is you, you’re playing Barbu.” Then we met up and discussed the script, the character…

Dana: Were you surprised by this character?What was your first reaction?

Bogdan: Naturally the first reaction was one of surprise: “She is his mother after all, how can he do and say all those things to her?Has he no sympathy, no remorse, nothing whatsoever?”. And Netzer said: “No, he hasn’t”. So I went: “Okay, let’s see where his feelings come from…”. And I had a very long time to prepare. Because I have a casting agency in Bucharest and I helped Netzer with the casting, I basically got to learn all the roles by heart.

Dana: Do you know anything about the writing of the script?

Bogdan: Netzer wrote the script together with Razvan Radulescu and the script is to a certain extent autobiographical, they both have pretty tense relationships with their parents, so that was the source of inspiration. We had many discussions in which they tried to explain the logic of this character, as much as they could, then I just used my imagination. My advantage was that I had eight months to prepare, so when we started rehearsals I knew the character inside out, and all the other characters. And Luminita is an excellent actor, you can play very well alongside her. And gradually I got to understand, to a certain extent, what happens there.

Dana: Would an incestuous reading of their relationship be correct?

Bogdan: Yes, of course, the film opens this problematic although it doesn’t develop it further. There is the scene with the glove where things are bordering on incestuous. Roughly speaking, it is a great mistake to wish for your children to become what you yourself failed to be. And when a parent does this, after living an unfulfilled life…

Dana: Is this the true reason why though?

Bogdan: It’s probably connected to the fact that the parents are estranged from one another, they are not sharing the same bed anymore, their relationship is completely dysfunctional and Barbu is what keeps the family together artificially. They both project on Barbu what they wished to be, or what they wished their relationship to be. And this ruins Barbu’s life.

Dana: There is also a disturbing element of dependancy on his mother…

Bogdan: Indeed, when things go beyond the limits of what is normal, Barbu doesn’t know how to stop himself, he can’t separate himself from his mother, despite everything he says and does. He swears at her, calls her names, make a huge scandal, but he is not capable to get himself out of it , to say “Stop”.